作品を構想する際、私はまず足元から考える。

​手ではなく、足で立つこと。私にとって「足元」とは、接地の感覚であると同時に、関係の出発点でもある。 足跡は、常に他者や場所との「接触点（contact point）」として現れ、ひとりで完結することはない。

​この展示は、陰陽のあいだ、内と外のあいだ、平面と立体のあいだ、そして静と動／権威と変容／記号と生のあいだを行き来するまなざしのなかで、構成されている。その中心にあるのは、靴型をした彫刻群である。だがそれは単なる靴の形ではない。あるときは山に見え、あるときは柱に見え、またあるときはただの「かたまり」にも見える。そんな記号の境目が溶け出すような感覚のなかで、それらは生成されている。

​彫刻のかたちは、方眼紙のドローイングをもとに設計されている。そこには、白銀比や黄金比といった、古くから人の身体や自然界に潜む「調和」の数値が下敷きになっている。しかし、その比率の美しさは数学的な正確さ以上に、身体のどこか深い部分と響き合うような、沈黙の秩序をもたらしてくれると考えている。靴という身近なフォルムを借りて、私はその秩序と混沌のあいだを歩こうとしている。

​そしてそれは、日本的な「女性原理」と「男性原理」への問いから出発している。日本では古来より、天から言葉を降ろすのは女性の役割であり、男性はその言葉を文字にし、地上に伝える補佐役を担ってきた、という伝承がある。しかし時を経て、文字を操る側が権威を持つようになり、言葉の源泉が覆い隠されていった。私はこの靴型彫刻を、そうした忘れられた声のかたちとして掘り起こそうとしたのかもしれない。

​制作には「Hidden Gesture」の技法を用いた。粘土と顔料を混ぜた重いマチエールを指で盛り、乾燥後に削ることでかたちを出す。それは、触れることと削ぎ落とすことのあいだに生まれる行為であり、現れる表面は、私の意図と素材の自己主張とがぶつかり合った、ひとつの対話の結果でもある。

​靴型の彫刻は、展示ごとにさまざまな置き方が可能だ。壁に掛けられたり、床に置かれたり、箱型の台座に収められたりもする。向きや重心が変わるたびに、作品は別の身体を獲得する。その柔軟なふるまいは、固定された制度や価値観が揺らいでいる現代に対するひとつの応答でもある。

​また本展では、壁に掛けられた平面作品も重要な要素として展示された。一見すると絵画のようでありながら、じつはそれもまた、粘土と顔料を使い、彫刻的な方法で生成された「平面的な彫刻」である。素材は同じく「Hidden Gesture」の技法を用い、盛り上げ、乾燥し、削ることでかたちが現れる。線的な構成は、DNAの二重らせんを想起させるような揺らぎと秩序の交錯であり、ここにも比率が意識されている。

​展示タイトル「北極星は東を拝む」には、動かぬものが動く、という視線の転換が込められている。 北極星は空の中心に位置する不動の星であり、古来より「権威」や「秩序」の象徴とされてきた。それに対し、東は太陽の昇る方角。日本や東アジアの宇宙観では、東は「木」の方位として、春、成長、発展、そして変化の象徴である。

今私は、あえて東—太陽の昇る方角に光を当てたいと思った。東は変化が生じる方角であり、はじまりの気配が満ちる場所でもある。

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When I begin to conceive a work, I start from the ground—literally.

Not with my hands, but by standing with my feet.
For me, “footing” is not only a sensation of contact, but also the point of origin for relationships. A footprint always appears as a contact point—with others, with place—and can never be complete on its own.This exhibition is composed through a gaze that traverses between yin and yang, inside and outside, plane and volume, and the polarities of stillness and movement, authority and transformation, sign and life. At its center are a series of shoe-shaped sculptures. But they are not merely shoes. At times they appear as mountains, at others as pillars, and sometimes simply as masses. These forms emerge in a state where the boundaries between symbols seem to dissolve.

The forms are designed based on grid drawings. Underlying them are numerical harmonies long embedded in the human body and the natural world—the silver ratio, the golden ratio. Yet the beauty of these proportions, I believe, lies less in mathematical precision and more in the silent order that resonates with something deep within the body. Borrowing the familiar form of the shoe, I attempt to walk the line between order and chaos.

This endeavor also stems from a question I have long held about Japan’s traditional principles of the feminine and the masculine.
In ancient Japan, it is said that the role of receiving and conveying words from the heavens belonged to women, while men served as assistants, recording and transmitting those words to the earth.
But over time, the power shifted to those who controlled the written word, and the wellspring of language was gradually obscured. These sculptures may be my attempt to excavate the forgotten shapes of those lost voices.

The works are made using a technique I call “Hidden Gesture.” Pigment mixed with clay is layered by hand, then scraped after drying to reveal form. It is an act born between touch and subtraction—a surface that emerges as a dialogue between intention and the self-assertion of the material.

The shoe sculptures can be placed in various ways depending on the exhibition—hung on a wall, laid on the floor, or nestled into box-like pedestals. With each shift in orientation or center of gravity, the works take on new bodily presences. This pliable behavior also serves as a quiet response to a contemporary world in which established systems and values are increasingly unstable.

Also included in this exhibition are wall-mounted planar works, which at first glance resemble paintings. In fact, they are “flat sculptures” produced using the same Hidden Gesture technique. Through the application, drying, and scraping of clay-pigment surfaces, their forms emerge sculpturally rather than pictorially. The linear compositions suggest a double helix—an interweaving of fluctuation and order—where harmonic proportion is again deeply embedded.

The title of this exhibition, “The Pole Star Bows to the East,” contains a shift in perspective—that which does not move begins to move.
The North Star has long stood as a symbol of authority and cosmic order, unmoving at the center of the sky. In contrast, the east is the direction of the rising sun. In East Asian cosmology, it corresponds to the element of wood, symbolizing spring, growth, expansion, and transformation.

Now, I choose to cast light upon the East—the direction of the sunrise.
East is the place where change begins to stir, where the scent of a new beginning fills the air.